Kolumba Museum / Peter Zumthor

En septiembre de 2007  se inauguró en Alemania el museo de arte del arzobispado de Colonia, Kolumba Museum. El lugar es una antigua iglesia gotica destruida en 1943, en los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial. En los años 50 se convirtió en un jardín memorial, y se construyó una pequeña capilla para guardar una imagen religiosa que se había salvado milagrosamente durante el bombardeo. En los años 70 se iniciaron excavaciones arqueológicas en el sitio, descubriendo ocupación desde tiempos romanos y merovingios. La protección de estos restos arqueológicos y de la capilla gótica, así como la necesidad de albergar la colección de arte del arzobispado, determinaron que se llamara a concurso en 1997, siendo este ganado por Zumthor.

El edificio de 4500 m2 forma una L en el sitio, siguiendo lo que originalmente era el volumen de la iglesia gótica y un convento adyacente. Esta configuración en L define la esquina hacia la calle y cierra un patio interior en lo que era el cementerio de la iglesia original. En el primer piso se dejaron las ruinas arqueológicas y el acceso y dependencias del museo, y en el segundo y tercer piso se ubica la colección de arte. El proyecto esta construido en un ladrillo específicamente elaborado por la empresa danesa Petersen , de dimensiones y colores especiales. El uso mas notorio del ladrillo esta dado en las fachadas construidas sobre la iglesia antigua, donde se dejan aberturas entre la mampostería, lo que permite introducir luz al interior manteniendo la integridad y lo masivo de la fachada.

Esquina hacia la calle

Patio interior

Platas del proyecto

Detalle mamposteria de ladrillo

Sitio Arqueologico

Interior del Museo de Arte

Por Agustín Infante K.

Fotos de Flickr de .mw y de Moritz Bernoully

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Peter Zumthor – Premio Pritzker de Arquitectura 2009

El arquitecto suizo Peter Zumthor, autor de edificios como el balneario termal de Vals, las casas gemelas Raeth o el museo Kolumba en Colonia, ha sido galardonado este domingo con el premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura. Zumthor, un arquitecto meticuloso que desdeña los proyectos mediáticos y comerciales, es el tercer suizo en lograr esta distinción.

El Premio Pritzker fue creado en 1979 por la familia Pritzker, de Chicago. Thomas J. Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt de Los Angeles, que organiza el premio, ha indicado que con este galardón pretenden reconocer el trabajo del arquitecto suizo, de carácter atemporal: “Tiene el talento de combinar un pensamiento lúcido y riguroso con una dimensión realmente poética que otorga a sus obras una inspiración novedosa“, afirmó en un comunicado.

Por el momento, y abundando en su discreción, Zumthor considera que la publicidad es importante, aunque ha descartado difundir un comunicado por el premio “dado que solo hago unas paredes y un tejado“. “Quiero decir, esperemos un poco”, ha declarado, “trabajemos un poco y los edificios hablarán por si mismos”.

OBRAS

1983 la escuela elemental Churwalden, Churwalden, Graubünden, Suiza.
1983 Casa de Rath, Haldenstein, Graubünden, Suiza.
Refugios para 1986 yacimiento romano, Chur, Graubünden, Suiza.
1986 Atelier Zumthor, Haldenstein, Graubünden, Suiza.
1989 Capilla de San Benito, Sumvitg, Graubünden, Suiza.
1990 Museo de Arte de Chur, Graubünden, Suiza.
1993 Residencial hogar de ancianos, Masans, Chur, Graubünden, Suiza.
1994 Gugalun Casa, Versam, Graubünden, Suiza.
1996 Spittelhof vivienda, Biel-Benken, Basilea, Suiza.
1996 Therme Vals, Vals, Graubünden, Suiza.
1997 Museo de Arte de Bregenz, Bregenz, Vorarlberg, Austria.
Topografía del Terror 1997, Exposición Internacional y Centro de Documentación, Berlín, Alemania, en parte construido, abandonada, demolida en 2004.
1997-2000 Pabellón de Suiza la EXPO 2000, Hannover, Alemania.
1997 Villa en Küsnacht am Zürichsee Küsnacht, Suiza.
1997 Lichtforum Zumtobel Personal, Zürich, Suiza.
1997-2000 Kolumba – Erzbischöfliches Diözesanmuseum, Colonia (Köln), Alemania.
1999 Nube Desierto Rock Lodge Moab.
2007 Bruder Klaus Kapelle

PREMIOS

1987 Auszeichnung guter Bauten im Kanton Graubüunden, Suiza.
1989 Heinrich Tessenow medalla, Technische Universität Hannover, Alemania.
Gulam 1991, Europeo wiid-cola premio.
1992 Internationaler Architekturpreis für Neues Bauen in den Alpen, Graubünden, Suiza.
1993 Mejor Edificio de 1993 de adjudicación del tc Suiza’10 vor’10, Graubünden, Suiza.
1994 Auszeichnung guter Bauten im Kanton Graubüunden, Suiza.
1995 Premio Internacional de Arquitectura de Piedra, Fiera di Verona, Italia.
1995 Internationaler Architekturpreis für Neues Bauen in den Alpen, Graubünden, Suiza.
1996 Erich Schelling-Architektur-Preis für, Erich-Schelling-Stiftung, Alemania.
1998 Premio de Arquitectura Carlsberg.
2006 Espíritu de la Naturaleza Premio de Arquitectura de Madera.
2006 Medalla de la Fundación Thomas Jefferson en Arquitectura de la Universidad de Virginia.
2008 Praemium Imperiale, Asociación de Artes Japón
2009 Premio Pritzker

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Nuevo corporativo para el Puerto de Antwerp – Zaha Hadid

Proyecto: Sede Corporativa Puerto de Antwerp
Arquitecto: Zaha Hadid
Localizacion: Antwerp, Belgica
Proyecto: 2008
Fecha Terminacion: 2013

El pasado 14 de Enero se dio a conocer el fallo del concurso para el diseño de las oficinas corporativas para la Autoridad Portuaria de Antwerp, Belgica.

La Autoridad Portuaria tiene como  objetivo eficienticar las operaciones centralizando los servicios administrativos y tecnicos, los cuales actualmente estan divididos en dos sedes. Esta sede tambien resolvera el problema de la falta de espacios para trabajar. Alrededor de 500 personas podran hacer uso de este nuevo edificio cuando este terminado en el 2013.

Ademas de Zaha Hadid, en el concurso participaron los siguientes arquitectos
• Consortium of TV A2O Architecten / Atelier Kempe Thill / Marcq & Roba / BEG – Hassel, Belgium
• Vier Arquitectos – La Coruña, Spain
• Xaveer De Geyter Architects – Brussels
• Zaha Hadid Architects – London
• Rapp + Rapp – Rotterdam.

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RAK Gateway – Snøhetta

Proyecto: RAK Gateway
Arquitecto: Snøhetta
Ubicacion: RAS AL Khaimah, EAU
Superficie Construccion: 270 000 m2
Fecha Inicio Obra: Otoño 2008

Este futuro hotel y complejo de exhibiciones y conferencias, sera la nueva imagen, del acceso a la ciudad de Ras Al Khaimah. Con 270.000 M2 de superficie construida y con una torre de 200 metros de altura, este edificio es proyectado como el nuevo umbral de la ciudad capital.

El programa arquitectonico puede considerarse como de usos multiples ya que incluira un centro de conferencias, centro de exposiciones, hotel y centro comercial. En total tendra una superficie de 270,000 m2 de construccion. Se hara enfasis en los espacios exteriores teniendo grandes areas verdes con una arquitectura de paisaje muy trabajada. En su fachada el edificio principal sera revestido con paneles ceramicos, los cuales seran proveidos por la compañia ‘Ras Al Khaimah ceramics’ una de las principales compañias de productos ceramcios en el mundo.

Inspirado en el desierto circundante, los paisajes montañosos y el concepto de la infinidad de variedad de naturalezas protegidas del sol, íntimos y protegidos por otros espacios de múltiples usos, este futuresco proyecto decontructivista viene a hacer su aporte en la reformulación arquitectonica del medio oriente y mas aun en EAU, donde las otras ciudades capitales ya tienen avanzados diseños de este estilo arquitectónico, el deconstructivismo.

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DUBAI OPERA HOUSE AND CULTURAL CENTRE [DUBAI, UAE]

La arquitecta británico-iraquí Zaha Hadid ha presentado el diseño para el nuevo edificio de la Ópera para la ciudad de Dubai. El proyecto es espectacular y, en cierta medida recuerda a las naves Cylon de Battlestar Galactica.

Es increíble cómo desde hace unos años la ciudad de Dubai está apostando fuerte por disponer de los edificios más emblemáticos del planeta (Burj Dubai, The Pad, Almas Tower, Opus Dubai, etc), y sin duda parece que lo está consiguiendo. ¿Dubai, la ciudad más futurista? Pues sí, en lo que a edificios se refiere, claro.

PROGRAM: Design for a Cultural Centre and Opera House in Dubai
ARCHITECT: Design Zaha Hadid with Patrik Schumacher

Project Director: Graham Modlen
Project Leader: Dillon Lin
Design Team: Christine Chow, Lourdes Sanchez, Yiching Liu, Swati Sharma,
Tyen Masten, Simone Fuchs, Johannes Schafelner

Competition Team: Christine Chow, Lourdes Sanchez, Yiching Liu, Larissa Henke, Claudia Wulf, Hooman Talebi, Daniel Dendra, Simon Yu, Komal Talreja

Engineering Consultant: Arup [London, UK]
Acoustics Consultant: Richard Cowell, Ian Knowles
Structural Engineering: Keith Jones
Building Services Engin.: Tim Thornton
Façade Engineering: Steve Bosi

El diseño de DUBAI OPERA HOUSE AND CULTURAL CENTRE sera  un nuevo y excitante centro cultural en el nuevo distrito ” siete perlas”  de Dubai. Este hito de desarrollo se adaptará a una casa de ópera, teatro, galería de arte, escuela de artes escénicas y hotel en una isla en Dubai Creek justo al lado de la parte continental del distrito. Todas estas instalaciones serán estado de la técnica de clase mundial para albergar espectáculos y exposiciones. La ópera tendrá un aforo de 2500, mientras que el teatro tendrá un aforo de 800.

La galería de arte con 5000m2 de espacio de exposición es, en efecto, una instalación de tamaño comparable a la exposición del Museo Guggenheim en Nueva York. El hotel se adaptará a los huéspedes en un establecimiento de 6 estrellas. Situado en una isla en Dubai Creek, el desarrollo se conectarán a una mayor Dubai por una carretera de conexión con el continente.

La propuesta de casas de todas las instalaciones dentro de una misma estructura llamativa. La disolución forma suave evoca imágenes de las montañas o dunas de arena. El aumento de la tierra, esta forma es a la vez una parte del paisaje aún mucho elemento distinto en el horizonte. El paisaje que rodea las formas de construir el edificio principal. Estos constituyen espacios abiertos del parque, así como funciones auxiliares, como el aparcamiento y la estación de monorraíl, que son bien escondido bajo o integrado en el paisaje y las formas.

Los dos picos corresponden a la casa de la ópera y el teatro. Los altos requisitos de  las torres elevadas  son anidados en virtud de estos picos. A partir de estas cumbres, las redadas en forma gradual a tocar la tierra. El formulario está festoneado de distancia, donde las tres principales entradas se encuentran. Las entradas principales para el público que visita una de las dos salas de artes escénicas se encuentran en el lado norte del edificio. En el nivel del suelo será la entrada VIP con coche dejar a la derecha en la entrada y un hall de entrada del vestíbulo principal. Este vestíbulo sirve la casa de la ópera y el teatro. El vestíbulo principal es un suave varios niveles paisaje en un piso arriba de la planta baja. También es la casa de la ópera y el teatro, así como tener una conexión con el interior de la galería de arte.

Flotando por encima de este vestíbulo se vestíbulo más espacios al servicio de los niveles de balcón. Los niveles, desde el vestíbulo del vestíbulo principal hasta el nivel visual son conectados el uno al otro a través de una serie de vacíos. Esto permite vistas directas entre el vestíbulo principal en la primera planta todo el camino hasta el balcón más alto vestíbulo. Sorprendentes opiniones son abundantes en este espacio.

Los auditorios figuran en formas que parecen fluir a salir de la parte inferior de la cáscara. Este depósito interior sin embargo, no lo toque el principal depósito. En cambio, desaparecen las dos superficies en una brecha de luz entre ellos. Funciones de apoyo fuera encontrado el vestíbulo son definidos por paredes que se funden en la parte inferior de la cáscara.

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Opera de Dubai. Jean Nouvel

No existe mucha información sobre el Nuevo proyecto de Jean Nouvel en Dubai, se trata del Teatro de la Opera. Incluimos junto a las imágenes una traducción de la poesía que acompaña esta creación.

Construyendo memorias futuras…

Dubai construye si opera….

La ciudad emblemática del siglo XXI debe construir un edificio que sea un icono planetario.

Pero una opera es una opera: una ilusión, música, ritmo… una referencia a los ritmos del pasado… una invitación a descubrir… un misterio que programar.

Nosotros estamos sobre el agua, en el lejano final de un arrollo. El visitante se encuentra con un habitante al que le pertenece el espíritu del tiempo, pertenece al tiempo suscrito al espacio. Y actúa como un testigo, como un guardia, como un protector por encima de todo una visión de la ciudad y su futuro.

La escala es tal que será imposible confundir este edificio con otro cualquiera, como un vulgar hotel o un edificio de oficinas… es un edificio orgulloso de si mismo seguro de que su aura se proyecta por toda la tierra.

No podrá estar decorado con simplicidad.

Su imagen cambia según el ángulo desde el que se lo mire, con la luz, pero es que pertenece a la atmósfera, a la espesura del aire. El edificio revela la luz y se impregna de las sombras y del agua.

El evoca: el ritmo, la intensidad, la profundidad… evoca la música, los ascendentes y los descendentes.

EL edificio habla si los símbolos de lugar; de aquí… somos como un pájaro, como el falcón que simboliza a los Emiratos, que vuela y migra, buscando refugio en la naturaleza circundante… somos como el agua que cambia con la luz como espejos en los que se refleja el arrollo… como olas en el mar…. como una cascada mística cayendo desde la nubes…

Nosotros encontramos la vegetación con su patrón transformador de la luz, su sucesión de ritmos y la superposición de palmeras… como la música con su evocación de instrumentos curvos, y las cuerdas y las teclas de un clarinete y las notas…

Las señales superpuestas, se confundirán, se juntaran para crear otra música, otro ritmo imposible de imaginar… Es pequeño como las nubes: cada persona puede ver que le atrae a ellos, que les hace cuestionarse. El arquitecto juega un rol provocador e inocente.

Y allí esta luz…

La luz que se ahoga y que reluce. Hay muchas vistas en la luz, reflejos, el juego de los materiales que captura, que imprime colores en el cielo en la piel del edificio. Con los relucientes ecos, las horas que corren por el verde de los árboles, los colores usualmente se hacen más vivos en los interiore y las luces de la vida que contiene la opera, múltiples y variadas luces que conectan con el ambiente y los diferentes lugares, a diferentes horas del día y cuando llega la noche.

Aquí esta lo que guía a un arquitecto cuya misión es provocar lo impensable.

Aquí esta lo que se siente, como un espectáculo por descubrir, como sensaciones que buscar fuera.

Después de todo, lo que queda es no lo último: el interior.
El interior, lo siguiente por descubrir. El impacto de la luz y las sombras a través de la geometría que es la esencia de la arquitectura árabe. Allí está, desde el interior el precioso perfil de la ciudad de Dubai, de Dubais.

Allí está la memoria de la creación de un lugar que da la bienvenida a un prestigioso huésped, aquí, se crearán trabajos que darán la vuelta al mundo.

Aquí el encuentro con la música, con el teatro, con las artes y con los grandes actores… Todo esto es una conexión con la imaginación, la cultura de Dubai y los placeres.

Texto y Fotografía: Jean Nouvel y Asociados.
Traduccion: Arquinews.com

Farrer Road – Zaha Hadid

Proyecto: Farrer Road
Arquitecto: Zaha Hadid
Localizacion: Singapur

El estudio británico de arquitectura Zaha Hadid Architects ha presentado recientemente el diseño para un nuevo desarrollo residencial en la ciudad-estado asiática de Singapur.

El complejo estará compuesto por 7 torres de 36 plantas y una docena de villas de lujo. Estará situado en una posición privilegiada dentro del área residencial de Singapur, muy cercano a la Holland Road y la nueva estación MRT.

La ausencia de edificios altos alrededor y su situación harán que a pesar de no tratarse de grandes rascacielos, los edificios que componen este complejo sean visibles en toda la ciudad.

La propuesta de Zaha Hadid parte del estudio de los alrededores. Las lineas constructivas y la ubicación de los nuevos edificios nacen de la prolongación de los principales ejes existentes en las manzanas circundantes.

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Últimos bultos

La compañía Selfridges ha abierto en Birmingham unos grandes almacenes diseñados por el estudio londinense Future Systems en forma de ameba; y los también británicos Peter Cook y Colin Fournier han terminado en Graz una Kunsthaus semejante a un pepino de mar: dos bultos biomórficos que evidencian la utilidad de la extravagancia para promover el comercio o el arte, y que prueban la vitalidad resistente de los virus futuristas de los sesenta. (Fotos: Paul Raftery/VIEW; Michael Betts/VIEW)

Incluimos el artículo de Luis Fernández-Galiano publicado en el diario El País

Las burbujas económicas producen burbujas arquitectónicas. La prosperidad acelerada de los años sesenta nos dio los collages coloristas de Archigram, con sus ciudades sobre patas telescópicas, sus caleidoscopios lisérgicos de submarino amarillo y sus circos de banderolas pop; nos dio las construcciones hinchables y efímeras de los festivales hippies; y nos dio también las estructuras geodésicas que Buckminster Fuller acabó convirtiendo en símbolo de la contracultura. Pues bien, la burbuja financiera de los noventa trajo a las pantallas de los ordenadores idéntica parafernalia, en ocasiones diseñada incluso por los mismo viejos rockeros pero ahora deshuesada de cualquier utopía social, ajena a todo experimentalismo tecnológico y puesta al servicio dócil del espectáculo del comercio o la cultura. A esta rúbrica pertenecen las dos burbujas azules terminadas en Birmingham y Graz por arquitectos veteranos que fingen estar materializando sueños de juventud.

En Birmingham, la compañía Selfridges ha querido insuflar oxígeno a un tipo comercial en decadencia -los grandes almacenes, sometidos desde hace tres décadas a la tenaz competencia de los centros comerciales suburbanos- con una arquitectura que llame la atención, y para ello seleccionó a Future Systems, un estudio de nombre programático que se sitúa en la estela de Fuller y del Norman Foster que empleó en su día a Jan Kaplicky, un arquitecto nacido en Praga hace 66 años y afincado en Londres, donde dirige la oficina con su esposa Amanda Levete. Resucitando un proyecto de hace veinte años, Kaplicky levantó en 36 meses un edificio de 25.000 metros cuadrados, el mayor de Selfridges tras la sede histórica de Oxford Street, construida por el norteamericano Daniel Burnham en 1908. (En sintonía con la política de “usar la arquitectura como valla publicitaria del negocio” -para decirlo en palabras del director ejecutivo de la compañía-, la próxima sede, que se abrirá en Glasgow en 2007, ha sido confiada al japonés Toyo Ito, el mismo que ha proyectado para Córdoba un Corte Inglés en forma de burbujas nacaradas.)

El bulto biomórfico de Birmingham se levanta en el centro desfigurado de una ciudad devastada por la decadencia industrial y el urbanismo agresivo de los sesenta, pero que sigue siendo la segunda área metropolitana británica. En ese corazón caótico y amorfo, y frente a una iglesia neogótica, Future Systems ha construido con técnicas convencionales un almacén ameboide que adquiere su imagen característica de ojo de mosca o piel de serpiente a través de 15.000 discos de aluminio anodizado que se fijan como chinchetas sobre la cáscara de hormigón pintada de azul Klein: un icono instantáneo para el comercio e incluso para la ciudad que recuerda los vestidos de chapas metálicas diseñados por Paco Rabanne en los sesenta, y que remite también a las exploraciones perceptivas del artista Anish Kapoor, colaborador ocasional de los arquitectos. Con su monumental escultura de 37 metros de altura, éstos aseguran haber intentado obtener un efecto flashy, glamoroso y seductor -algo que en los últimos tiempos se había limitado a las boutiques de las marcas de moda, los Gucci, Prada o Armani que han desplazado a los grandes almacenes de los centros urbanos y de la imaginación popular-, y esa voluntad de espectáculo se extiende aquí al interior, que se ha tematizado teatralmente encargando cada planta a un arquitecto distinto.

En Graz, una ciudad austríaca de singular belleza y el mayor casco urbano histórico del mundo germánico que sobrevivió a los bombardeos de la II Guerra Mundial, el veterano fundador de Archigram Peter Cook -un británico nacido en Essex hace 67 años- y su colega Colin Fournier han fabricado la Kunsthaus local (dedicada exclusivamente a la exposición del arte contemporáneo) como un bulto azul erizado de ojos que se eleva frente al casco antiguo, en la margen derecha del río Mur. Construida con una estructura metálica triangulada sobre la que se fijan paneles de metacrilato, y coronada por una profusión de saltones lucernarios circulares que le dan un aire inquietante de organismo extraterrestre, la burbuja escamosa de la Kunsthaus se promueve con ocasión de la actual capitalidad cultural europea de Graz, y en su diálogo con el antiguo campanario del Schlossberg y las viejas torres de la ciudad pretende transmitir el mensaje fatigoso de la voluntad colectiva de reconciliar vanguardia y tradición.

Pero lo cierto es que ni el futurismo utópico de Peter Cook -un arquitecto dedicado a la enseñanza desde los años de Archigram- ni el expresionismo fracturado de la llamada Escuela de Graz -un influyente grupo deconstructivo liderado por Günther Domenig- han tenido con la tradición otro diálogo que no fuera el del contraste y el conflicto. Aquí, lo que los autores llaman su “perverso edificio tecnológico” tiene, aseguran, una justificación contextual: “es sólo otra forma sexy como las cúpulas bulbosas de Graz”. Más tubérculo que bulbo en su semejanza con una patata florecida, este alienígena amable evoca desde luego los cómics de Archigram -tan reproducidos el año pasado con motivo de la concesión al grupo de la medalla de oro del RIBA, que en la última edición ha recaído por cierto en Rafael Moneo-, pero se antoja ajeno al élan visionario de los proyectos de esa época: un tiempo efectivamente incandescente, que la desaparición el pasado agosto de Cedric Price (el crítico y teórico más influyente de aquella coyuntura, autor también de proyectos míticos como el Fun Palace o el Potteries Thinkbelt, y de quien el propio Cook afirma que fue el pensador más importante de la arquitectura británica en la segunda mitad del siglo XX) permitió recordar en toda su dimensión propositiva, práctica y política.

Acaso porque la naturaleza de la utopía es su carencia de lugar concreto, o quizá porque lo propio de las visiones es su desvanecimiento en contacto con la realidad, los sueños construidos defraudan siempre. Sin embargo, es difícil ser severo con las burbujas de estos arquitectos sexagenarios. A fin de cuentas, los grandes almacenes necesitan atraer al cliente lo mismo que los centros de arte requieren recabar la atención del visitante; al cabo, Birmingham es una ciudad tan calamitosa que cualquier implantación nueva no puede sino mejorarla, mientras que la belleza de Graz no debe resultar menoscabada por el extraño bulto del otro lado del río; y si la burbuja onírica de Future Systems puede regenerar la vida urbana y convertirse en un símbolo de optimismo, el organismo fantástico de Peter Cook debe atraer el turismo cultural y devenir un emblema de modernidad futurista. Son, es verda, arquitecturas de consumo y de ficción (o de ciencia-ficción), pero la añoranza por los sueños dibujados de los sesenta, que es una nostalgia por una sociedad más joven e inocente, no puede borrar del paisaje los fantasmas construidos por la vigilia de la vanguardia vieja.

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Baluarte civil

El Baluarte de Pamplona es más ciudad que edificio. Y no sólo porque su formidable escala pueda albergar el ajetreo multitudinario de esa urbe virtual que forman los asistentes a congresos, espectadores de conciertos y visitantes de exposiciones, sino porque su proyecto subordina la visibilidad de la arquitectura al protagonismo de la ciudad. Frente al fervor contemporáneo por la construcción locuaz, Francisco Mangado y su equipo han levantado una obra lacónica, de oscuros prismas que se ensamblan en L para adaptarse a la trama urbana, delimitando con sus brazos silenciosos una nueva plaza y dibujando su sobrio perfil horizontal sobre el rumor de la ciudad en torno. Sólo los datos se expresan con elocuencia: tras cinco años y 78 millones de euros, Pamplona y Navarra cuentan con una dotación cultural de 38.000 metros cuadrados, un aparcamiento para 900 vehículos y una plaza de una hectárea. Pero si las cifras cantan, el edificio calla, y es preciso traspasar la hermética fachada de granito africano para escuchar las inflexiones de su voz en la acústica de haya de las salas o en el diálogo luminoso entre la cuarcita negra de la India y la madera roja de padouc en las zonas comunes, ámbitos ambos donde Mangado enriquece la expeditiva regularidad de las plantas con la seducción táctil de los materiales o la perfección exigente de los acabados.

Resultado de un concurso abierto fallado en 1998, el Baluarte se propone como una alternativa a los edificios-espectáculo, contenedores que se imponen al contenido y al contexto con la violencia retórica de su singularidad; una fiebre que ha perdido virulencia entre los clientes institucionales y los propios arquitectos, pero que en el momento del concurso -con el Guggenheim bilbaíno recién terminado entre salvas de admiración- no era fácil de eludir. Mangado, que se dio a conocer hace una década con dos plazas en Olite y Estella donde mostró su capacidad para reunir el diseño contemporáneo con la memoria histórica, unas bodegas navarras de exacta factura que se adelantarían a la actual profusión de cavas de autor, y un barrio residencial en las afueras de Pamplona que evidenció una rara combinación de refinamiento formal y pragmatismo urbano, alcanza en el Baluarte su madurez: como diseñador de mobiliario, lámparas y objetos, que se integran en el conjunto con la elegante naturalidad de sus interiores o sus espacios públicos (de los que Madrid tiene sendas muestras en el recién abierto restaurante La Manduca de Azagra y en la muy adelantada plaza de Felipe II); como arquitecto de ejemplar eficacia en la reconciliación de las exigencias funcionales con las demandas estéticas, que aquí se atienden a través del dramatismo volumétrico de los vestíbulos o la serenidad en sordina de las salas (experiencia ésta que habrá de beneficiar a sus próximos auditorios en Palencia y Ávila); y como urbanista atento a las trazas y huellas de la ciudad, evidente en este caso por la inserción del edificio, pero también por la inteligente integración de los restos del baluarte de San Antón -una de las cinco puntas de la Ciudadela contigua- en los espacios de exposición del complejo.

Profeta en su tierra, y arquitecto que trabaja en el resto de España y fuera de ella desde su estudio en Pamplona, a Mangado se le relaciona en ocasiones con otros dos navarros de generaciones anteriores afincados en Madrid, el desaparecido Francisco Javier Sáenz de Oíza y el inicialmente discípulo de éste y al cabo maestro español de mayor proyección internacional, Rafael Moneo. Sin embargo, si el vínculo entre Oíza y Moneo es palmario, basado como está en su común devoción por el formalismo corbuseriano, la conexión de cualquiera de ellos con Mangado es más tenue, y sólo se sostiene con algunas hebras del testarudo eclecticismo del autor del Kursaal. Mangado se sitúa más bien en una tradición miesiana, templada por el realismo y filtrada por epígonos magistrales como Arne Jacobsen -que le condujo al mundo más amplio del empirismo escandinavo y aun a la modernidad escueta del primer Aalto, por cierto citado literalmente en el Baluarte- o Alejandro de la Sota -inevitablemente absorbido a través de los sotianos madrileños o gallegos, e incluso a través de su influencia en la arquitectura catalana de los ochenta-, y teñida por la rotundidad neoplástica de su formación en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, donde con el tiempo acabaría por sustituir a Javier Carvajal como figura de referencia.

El concierto inaugural, que reunió a 1.550 espectadores en la caja cálida y tersa de la sala sinfónica en torno a los duques de Lugo, el presidente Miguel Sanz y la alcaldesa Yolanda Barcina, tuvo como protagonista a la soprano navarra María Bayo, que interpretó con alegre agilidad un popurrí de canciones, fragmentos de ópera y arias de zarzuela tan populares como inapropiadas para la singularidad de la ocasión, por más que permitieran comprobar la excelencia de la acústica de Higini Arau. La robusta tradición musical de la tierra del tenor Julián Gayarre y el violinista Pablo Sarasate hubiera merecido una programación de más aliento, como en su terreno arquitectónico pesigue el auditorio, tan atento a mantener la continuidad con lo existente como cuidadoso en evitar ese costumbrismo castizo que el día del estreno llegó hasta el chotis. Consciente de su herencia ancestral, pero decidida también a competir en el mercado global, Navarra se moderniza con cautela, dotando de odres nuevos al vino viejo de su memoria histórica y etnográfica, tal como sucede en los casos del Archivo General de Navarra recientemente terminado por Moneo o el próximo museo de los Sanfermines que construirán Mansilla y Tuñón. Pero ninguna obra expresa mejor esa voluntad de continuidad y cambio que el Baluarte, un edificio conservador en su apariencia y ambicioso en su propósito, que al colocar la agitación de los congresos y conciertos en el centro urbano usa la cultura para insuflar vida a la ciudad existente, en contraste con la habitual localización de las grandes infraestructuras en las periferias discontinuas.

A poca distancia de Pamplona, sobre la atalaya del caserío de Alzuza, la casa taller del escultor Oteiza abrió sus puertas simultáneamente a las del auditorio, incorporando los espacios privados del artista al edificio proyectado por Oíza que alberga los miles de piezas de su legado -desde las tizas hasta las pizarras-, y ofreciendo un contrapunto lírico e íntimo a la urbanidad coral del Baluarte. Los compactos volúmenes de hormigón del museo, coronados por tres lucernarios de metal que rasgan el cielo como heraldos negros, fueron terminados por dos hijos arquitectos de Oíza, Marisa y Vicente Sáenz Guerra, con la colaboración de Darío Gazapo y Concha Lapayese en la instalación, y se abrieron al público el pasado mayo, apenas un mes después de la muerte del escultor y cuando habían transcurrido tres años de la desaparición del arquitecto. Recorriendo los ámbitos domésticos de este genio contradictorio, la soledad unánime de los almacenes y la fortaleza plástica del museo -un itinerario áspero y violento que es inevitable comparar con el paseo plácido y amable por su alter locus o alter domus, la canónica y cosmopolita Chillida-Leku-, se advierte cómo se ensancha la distancia con la Pamplona que se divisa a lo lejos, atenta a su coreografía civil en torno al Baluarte y consciente de que, si los poetas no deben gobernar la república, menos aún debe hacerlo la hipocresía levítica de un puñado de orates etnicistas que usan la antropología como un arma homicida y un instrumento de segregación. Pero vayan a Navarra y cuéntenlo.

Luis Fernández-Galiano 

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